Review: ‘Brujería’ de La Bien Querida, canción por canción

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La Bien Querida regresa con su instinto más protector y romántico. Tras el lanzamiento de ‘Fuego’ (2017), la cantautora presentó, el pasado 27 de septiembre, Brujería’, su álbum más hipnótico y oscuro, hasta la fecha.

El primer single oficial de este disco fue ‘¿Qué?‘, un tema a dueto con Diego Ibáñez, el vocalista del grupo Carolina Durante. Recientemente, hace dos semanas, lanzó ‘Me Envenenas’. Ambas canciones transmiten el mismo mensaje, el amor es un hechizo que puede provocar un sinfín de sensaciones, desde atracción hasta fatalidad.

‘Brujería’ está compuesto por 11 canciones, a puño y letra por La Bien Querida (Ana Fernández-Villaverde), con una duración total de 38 minutos, donde te hechizarás y sentirás cada fase del enamoramiento y será difícil salir de este encantamiento. Cabe destacar que la esta crítica está realizada tras la primera escucha y que, seguramente, mejorará en el futuro.

‘BRUJERÍA’

1-  ‘Intro: Hechizo Protector’: Una interlude oscura y perturbadora, dejando claro el mensaje de este álbum, que hay que dejar atrás lo malo y atraer lo bueno, la felicidad. Abrirse, aceptarse, para así ver la luz y sentir el amor. NOTA 5.

2- ‘La Verdad’: Y el hechizo llegó, la instrumental te hace ser cómplice de este enamoramiento. El amor llegó a su vida, la ilusión está presente en cada poro de su piel. Como si un encantamiento se tratase. Ya no ve nada, está cegada de amor. Pero siempre está el miedo de ser rechazada, pero ella ya no podía ocultarlo más. NOTA 7.

3- ‘Te Quiero’: La melancolía y las ilusiones. De como el amor controla y nubla todos los sentidos y solo ves si tu felicidad depende del otro. Llegando incluso pensar en finalizar la vida si no consigues que esa persona te ame. Una declaración a toda regla a base de una instrumental que podría sonar perfectamente en las pelis indies cuando los protagonistas se reencuentran después de mucho tiempo. NOTA 7.

4- ‘Déjame Entrar (feat La Estrella de David)’: De nuevo los miedos están patentes, la desconfianza, del temor al ser rechazada. Que si el amor que se siente es algo recíproco. El miedo al abandono, el hecho de nunca salir del corazón y de los recuerdos. Ojalá sea single, es necesario. NOTA 8. 

5- ‘¿Qué? (feat Diego Ibáñez)’: De momento, la canción más electrónica pop del disco, por eso diría que es el single de presentación de ‘Brujería’. De nuevo, los miedos de sentir, de ya no tener las ideas claras, de que el amor forme parte de ti. Esos primeros sentimientos, las primeras confidencias y nervios, el amor te está empezando a colocar. Y, joder, ese maldito miedo. NOTA 9.

6- ‘Miedo’: De nuevo el miedo de perder a quién amamos. Los temores de sentir más de lo que podemos controlar, el maldito hechizo está causando efecto y ya tu corazón tiene más control en ti que la razón. Merece también ser single. NOTA 8.

7- ‘Me Envenenas’:  Segundo single de este álbum. Esta canción me recuerda a los buenos tiempos de Fangoria, con esa base electrónica, oscura y perturbadora. Con el claro mensaje de que te están haciendo un vudú y tus sentimientos ya no forman parte de ti, sino de un ente que está controlando todo. Una alegoría que el amor te quita la libertad y tu cuerpo necesita esa droga. NOTA 7. 

8- ‘Nubes Negras’: Llega el desamor, la desilusión de perder el tiempo. Una voz dulce y cargada de sentimiento. La aceptación de la derrota, de que ya todo está hecho y que no tiene solución, pero los recuerdos siempre estarán, deseando siempre la felicidad del otro. La nostalgia de que cualquier tiempo pasado es mejor. Me ha dejado sin palabras, bastante rota. Es pura verdad este tema. Merece ser single. NOTA 10. 

9- ‘Domingo Escarlata (Los Planetas)’: Tras la separación, llega la hora de asumir de los errores que tuvieron la relación. Pero, el pasado ya no se puede cambiar y toca recordar los buenos momentos vividos. Una declaración dura de que cuando algo no va bien, es mejor cortar y que cada uno tome su camino “Si no te vuelvo a ver, nunca podré saber, todo lo que tú y yo hubiéramos podido hacer”. Joder, sin palabras. Maravillosa. NOTA 9.

10– ‘Morderte’: Un último intento tras la ruptura, de volver a ese punto donde se estaba al máximo nivel de felicidad. De olvidar todo y empezar desde cero “las ganas que tengo de ti, no me dejan vivir”. NOTA 8.

11.- ‘La Fuerza’ (feat Los Planetas): Ahora ella es la que tiene el control. Tras el enamoramiento, la desilusión, llega el momento de asumir que está preparada, que es hora de abrirse. “Voy a ser tu droga, el hechizo que envuelve a tu corazón”. Y nada más que añadir, señoría. El hechizo ha hecho por fin efecto. Y se acabó el disco. NOTA 8.

OPINIÓN PERSONAL

Un total de 11 canciones, 11 fases del enamoramiento. La negación, ilusión, aceptación, locura, ruptura y declaración. Un buen desglose para describir que el amor realmente es el verdadero hechizo de la vida. Llega cuando menos te lo esperas, no se puede controlar y te cambia más de lo que te crees.

Un álbum que vuelve a destacar la dulzura y toque melancólico de la voz de La Bien Querida, pero ahondando a un estado más declinado hacia la felicidad e incredibilidad de todo que está pasando y sintiendo.

Mi parte favorita del álbum llega tras la cuarta canción, ya que, como buena amante del drama, me gusta que los temas se conviertan como la dura vida misma y que no todo es algodón y confeti. Que el amor nos cambia, nos rompe y nos volvemos a destruir en base de los pedazos, pero nada volverá a ser igual por los errores y daños del pasado.

Este disco se lo recomendaría a todas aquellas personas en fase de enamoramiento y de aquellos que sienten que su vida no tiene sentido sin amor. Porque todo el mundo se sentirá identificado con ‘Brujería’, ya que formará parte de este aquelarre de amantes del amor enfermizo, trasnochado y sutilmente inocente. 

RESUMEN:

-Canciones TOP (que merecen ser singles): ‘Nubes negras’, ‘Miedo’ y ‘Domingo Escarlata’.

-Canciones FLOP (las más flojas del disco): ‘La Verdad’ y ‘Te Quiero’.

 

NOTA FINAL: 7´8

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Review: ‘Pero no pasa nada’ de Amaia, canción por canción

PERO NO PASA NADA

Ha tardado el disco en salir, pero no pasa nada. La espera ha valido la pena. La cantautora Amaia Romero ha lanzado este viernes, 20 de septiembre, su disco debut ‘Pero no pasa nada’, tras un año y medio de composición y producción desde que se alzó con el primer premio de Operación Triunfo 2017.

El primer single oficial del disco fue ‘El Relámpago‘, que fue lanzado el pasado 4 de mayo junto al videoclip oficial del mismo. Al mes siguiente, lanzó ‘Nadie Podría Hacerlo’ (21 de junio) y, posteriormente, ‘Quedará en Nuestra Mente’. Aperitivos, tentempiés previos, antes de disfrutar del gran manjar que resultar ser ‘Pero no Pasa Nada’ para los amantes de la música sin pretensiones comerciales.

El primer álbum de la artista ha sido producido y compuesto por ella misma junto a Santiago Motorizado, perteneciente al grupo Él mató a un policía motorizado. Un desafío que quería afrontar la joven intérprete en su primer lanzamiento musical.

Si ahondar en más detalles, voy a analizar ‘Pero no Pasa Nada’, canción por canción, que contiene 10 canciones, con un total de 31 minutos de duración. Esta crítica está realizada tras la primera escucha y que, seguramente, mejorará en un futuro.

‘PERO NO PASA NADA’

1-  ‘Última Vez’: La apertura del disco, que dura tan solo 1 minuto, es una interlude melancólica, a guitarra, que avisa de lo que está por venir, es decir, un disco de altibajos de una chica que está obligada a crecer, personal y profesionalmente.  NOTA 7.

2- ‘Quedará en Nuestra Mente’: Segundo single de Amaia, que ya conocimos en junio con su respectivo vídeo. Una canción donde la artista refleja su miedo a enamorarse, las dudas de sentirse vulnerable y de dejarse llevar. Ese miedo de que el otro no sienta lo mismo y de que todo quedará en una simple ilusión, en un recuerdo. Esta canción te hace retroceder a los buenos tiempos del pop en español, a las canciones de La Oreja de Van Gogh. Pura nostalgia. NOTA 10.

3- ‘El Relámpago’: Primer single oficial de ‘Pero no Pasa Nada’. Cuando el amor se acaba y, aún, no lo has podido olvidar. La sensación de estar pérdida, de sentir que todo está destruido. De no ver la luz al final del túnel. De destruir los recuerdos y renacer pensando en lo bueno que está por llegar. De que todo se sale. NOTA 9.

4- ‘Nuevo Verano’: Exijo que sea single, y justamente ahora que el verano está a punto de finalizar. A ver si Amaia nos hace caso. Parece una canción “happy”, pero está llena de miedo y tristeza, de la esperanza de que alguien te responda al teléfono, de que también el otro/a sientas lo mismo que tú. Pura magia. Ese amor de verano, que ahí se queda, en esos meses. “Te despides con la mano, y finges que esto no hace daño”NOTA 10.

5- ‘Nadie Podría Hacerlo’: La canción romántica del disco. Totalmente a piano, donde destaca la dulzura de la voz de Amaia en cada entonación, en cada nota. Hay personas que destellan con luz propia y ella lo encontró. Ya ninguna otra persona podrá sustituir esa sensación. Ese amor tan único y especial. “Me has hecho descubrir, que pasar buen tiempo, no es pasar tiempo”. NOTA 8.

6- ‘Quiero que Vengas’: Pedía a gritos ser single, para todos aquellos que la conocían en los festivales de este verano, y así fue. Este tema se ha lanzado este viernes, coincidiendo con el estreno de este álbum en todas las plataformas digitales y tiendas físicas. Esta canción refleja cuando echas de menos a alguien y quieres seguir luchando para que la relación siga en pie. NOTA 9.

7- ‘Todos estos años’: Puro country, con un toque a lo Paula Rojo y Virginia Maestro. Un tema lleno de nostalgia. Ese miedo de olvidar a la persona, sino lo tienes presente, de que los recuerdos se esfumen. A veces abandonar un lugar, también afecta a que todo el alrededor cambie. Que el mundo gire y que las promesas se destruyan. “El recuerdo de un plan que nunca viviremos” NOTA 9.

8- ‘Un Día Perdido’:  Esta canción me ha producido un pequeño dejá vú a los temas del primer disco de la cantautora Zahara, ‘La fabulosa historia de…”. Este tema trata cuando crees que el amor recibes, no te lo mereces. Que todo se derrumba, que no quieres hacer daño ni tampoco dejar “Es que no entiendo porque me quieres”. NOTA 8.

9- ‘Cuando Estés Triste’: Sin palabras, me ha dejado rota. Debe ser single, sí o sí. La voz dulce de Amaia se rompe, pero sin perder su fragilidad. Pero sí escuchas esta canción cuando estés triste, llorarás. Avisado quedas. El dolor de ver todo destruido, de que la relación se va a romper. De que todo se va al traste. Pero, de todo se sale, de que hay que tener que esperar y evitar la ruptura juntos. Aunque ya sea la crónica de una muerte anunciada, pero “todavía hay tiempo”. NOTA 10.

10- ‘Porque Apareciste’: La primera vez que las escuchas, parece un sermón. Pero es la magia, la originalidad de la canción, que va aumentando progresivamente. Parece un tema sacado de otra época, con un toque veneciano y bohemio. “Te quiero, con todas las mentiras”. NOTA 7.

OPINIÓN PERSONAL

Sin palabras. Ella realmente lo hizo. Amaia se ha alejado de todo lo que suponía haber hecho tras dejar la Academia de OT. Como han hecho algunos de sus excompañeros. Un disco fácil, lanzado como muy tarde a los 6 meses de salir, con hits directos. Y que ya seguramente antes de salir, estaba ya planteado. Ella rechazó canciones de Zahara, Pablo Alborán, Rozalén y El Kanka; entre otros, para arriesgarse, para hacer algo suyo, con su esencia pura y tan verdad.

Estos aspectos son de agradecer para una chica que, con tan solo 20 años, tenga las ideas tan claras del rumbo que quiere llevar en su trayectoria profesional y no ser una marioneta de una discográfica. Ella fue poco a poco, haciendo sus conciertos, festivales (ya varios en sold out y aún no había salido ni el disco). Amaia va a lo grande, para enamorar a todos los públicos, alejándose de aquellos que solo la querían por formar parte y ganar un talent show.

Ahora Amaia lucha para consagrarse como artista, poco a poco, aunque cueste años, lo va a conseguir. Una buena casa se construye creando buenos cimientos desde los inicios. No empezando por el tejado, porque se derrumbe todo.

Y, muestra de ello, que ha estado elaborando este disco durante un año y medio, produciendo y componiendo sus canciones donde se refleja todos los aspectos y momentos que ha sentido la artista en el transcurso de este tiempo. Desde ser amada en OT, odiada por no sacar lo que “cierto” público pedía hasta ser Amaia, sin más filtros. La cara real tras la intensa e inesperada fama.

Su álbum ‘Pero no Pasa Nada’ es puro pop, un toque de aire fresco al panorama actual de la música que ahora solo abundan los trap y música facilona que se olvida de un día para otro. Amaia deja huella, porque todos nos hemos sentido como ella en algún momento de nuestras vidas. Eso es lo bonito de la música, algo que te marque y deje el perfume, el buen aroma, eternamente.

RESUMEN:

-Canciones TOP (que merecen ser singles): ‘Nuevo Verano’, ‘Todos estos Años’ y ‘Cuando Estés Triste’.

-Canciones FLOP (las más flojas del disco): ‘Última Vez’ y ‘Porque Apareciste’.

 

NOTA FINAL: 8´6

 

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Review: ‘Loveaholic’ de Ruth Lorenzo, canción por canción

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Ruth Lorenzo regresa con ‘Loveaholic’, su segundo álbum de estudio. La artista murciana no presentaba un nuevo trabajo discográfico desde ‘Planeta Azul’ (2014). Tras estos años, la cantante se dedicó en refugiarse en su música, componer, en indagar sobre su vida y recuerdos; y, de este modo, autodescubrirse, de manera personal y musical.

Así, deja atrás la era ‘Planeta Azul’ que “estaba formado por historias de niña”, señaló la compositora recientemente en una entrevista, para dar paso a este disco “donde narro mi etapa en Londres”. Este proyecto lo define como 12 canciones, 12 historias de amor y un corazón roto”. De éstas composiciones, 2 son íntegramente en español, 1 en spanglish y el resto en inglés.

Este nuevo trabajo musical, que está producido y editado por la artista, cuenta con la colaboración del guitarrista Jeff Beck, ganador de 8 premios Grammy, en la canción ‘Another Day’. 

A continuación, el review de ‘Loveaholic’, que está realizada con una pequeña valoración de cada canción tras la primera escucha, exceptuando aquellas que ya fueron lanzadas como singles:

1.- Bring Back the New: Buen comienzo de esta nueva era con un sonido más oscuro y reivindicativo, alejado del pop convencional de ‘Planeta Azul’. Gran producción, instrumental y tesitura vocal de la artista. Un tema que va mejorando progresivamente, ya que al principio puede resultar un poco lineal, pero el cierre de la misma, chapó. Esto promete. NOTA 7.

2.- Good Girls Don’t Lie: Primer single oficial del disco. Una alegoría de la libertad, al amor a sí mismo, a la soltería. Porque, chico, “las chicas buenas no mienten… o sí”.   NOTA 9.

3.- The First Man: Una balada-pop, convirtiéndose en una de las canciones más personales y emotivas del disco. La artista recuerda a su padre que la abandonó cuando era pequeña y, sin ser apenas consciente, se convirtió en el primer hombre que la dejó. NOTA 7.

4.- Ride: Un canto a la libertad, como bien hizo Lana del Rey con el tema que lleva el mismo nombre. Buena base instrumental y mensaje, pero diría que una de las más flojas del disco. NOTA 7.

5.- Loveaholic: Un toque de R&B y soul. La adicción al amor, hacia sí mismo, al sexo, el placer de disfrutar de un cuerpo ajeno. Gran calidad vocal de la artista que recuerda, en ciertas ocasiones, a la gran Janis Joplin. Puro desgarro y sentimiento. NOTA 10.

6.- My Last Song: Una canción dedicada a la derrota y, a su vez, al afán de superación. Como también un claro agradecimiento a sus seguidores, por animarla a no rendirse nunca y seguir luchando por sus sueños. NOTA 9.

7.- Bodies: Una canción completamente eurovisiva, es que me imagino ya la puesta en escena en este festival. Qué gran calidad vocal, magníficos giros… qué desgarro. Sin palabras. Exijo que sea single. NOTA 10.

8.- Moscas Muertas: Una de las dos canciones en español del álbum. Este tema ya lo conocíamos, ya que fue presentado en directo en varias ocasiones, pero es la primera vez que la escuchamos en versión estudio. Una canción dedicada al desamor. Cuando el amor abandona la puerta y no se consigue olvidar, a pesar de buscarle en otras almas y cuerpos. Es imposible no emocionarse y empatizar con cada frase. También me gustaría que fuese single. NOTA 9.

9.- Freaks: Un toque de Prince y George Michael. Un pop ochentero que me entran ganas de ponerme el pelo cardado y la chupa de cuero. Porque todos somos raros y eso es lo que nos hace diferentes. NOTA 7.

10.- Spanish Guitar: Un tema donde la artista reivindica su latin power. Guitarras eléctricas y españolas se funden, con gran armonía, en la instrumental. La parte de “hasta que me vuelva loca”, en esta canción spanglish, podría convertirse en uno de los hits de este verano. NOTA 8.

11.- Another Day (feat. Jeff Beck): Una canción melancólica, a piano, que va cogiendo fuerza con el transcurso de la misma. Si me dicen que forma parte de un musical, tipo Grease, me lo creo. Buen tema para escuchar en los días lluviosos. Qué maravilla y que viva la música cargada de sentimiento. NOTA 8.

12.- Amanecer: Un canto a la esperanza y la soledad para cerrar ‘Loveaholic’, sin embargo se hace corto este tema en español que se acerca al opera-pop. Me entran ganas de embriagarme y fumarme un pitillo. Espero que el siguiente disco vaya de esta línea, ya que le queda de lujo esta tesitura a la artista. NOTA 8.

‘Loveaholic’ es el disco más intimo y personal de Ruth Lorenzo, donde se aleja de discográficas, de la presión que ejercen éstas. Donde ella ha decidido cada paso, composición y detalle de su nuevo trabajo. Canciones que relatan el amor, el desamor, la libertad y la soledad. Temas que entrelazan, con una gran producción detrás, diferentes estilos musicales como el pop, R&B, soul, country e, incluso, latin-pop. La finalidad de este álbum es definir a la vida misma, los altibajos, el descontrol para así, poco a poco, encontrar la estabilidad y la madurez.

Además, se nota que es un disco donde ella ha cuidado cada detalle antes de lanzarlo. De este modo, Lorenzo ha querido reflejar su vida importando, bien poco, el qué dirán. Su sensibilidad, su historia, su verdad. Su amor hacia sí misma, en cada letra y armonía.

Gran producción que no tiene nada que envidiar a los últimos lanzamientos musicales de diferente artistas del pop. Así, ‘Loveaholic’ merece ser reconocido internacionalmente. Porque es un disco que está mimado desde sus cimientos, buena producción, vocales, sentimiento. Buen trabajo, Ruth.

-Canciones TOP: ‘Bodies’, ‘Moscas Muertas’, ‘Loveaholic’, ‘My Last Song’.

-Canciones FLOP: ‘Ride’.

NOTA FINAL: 8,5

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Ruth-Lorenzo

 

Crítica de cine: ‘The Shape of Water (La Forma del Agua)’, amar con la fuerza de los mares

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La película ‘The Shape of Water’ (‘La Forma del Agua’), con trece nominaciones a los Premios Óscar y dirigida por Guillermo del Toro, hará reflexionar sobre los prejuicios, el amor y el hecho de dejarse llevar, sin importar lo que digan los demás. Porque no hay una sensación más frenética que guiarse por los instintos, por los sentimientos. 

La actriz Sally Hawkins interpreta a Elisa, una joven muda que trabaja como conserje en un laboratorio en la Guerra Fría. Ella, que fue abandonada al nacer, vive en una constante monotonía. Una chica tímida que se levanta, come, se masturba y al trabajo, hasta que un día recluyen a un hombre anfibio en el laboratorio.

A partir del primer encuentro, surge una amistad utópica entre ellos. Elisa estaba dispuesta a conocerlo a pesar de ser estigmatizado como un peligroso y no apto para la sociedad. Aunque, por este motivo, sentía que habría que darle una segunda oportunidad, ya que ella también se sentía diferente a los demás por no poder comunicarse de manera oral, ser independiente y por excéntrica. 

Sin embargo, esta relación se llega a convertir, poco a poco, en una historia de amor nada convencional. Pero, hay personas que quieren impedir que esta situación siga ocurriendo entre ambos y que esta atracción amorosa se quede más bien como una perfecta ilusión y no en una realidad.

Del Toro ha vuelto a repetir patrones de sus anteriores trabajos, como el amor imposible, seres mitológicos, la fantasía e inocencia para así evitar una sociedad oscura y retrograda, véase la película ‘El Laberinto del Fauno’. El hecho de vivir en una realidad paralela, ya que los protagonistas de estas historias recrean una ciudad idealizada y mágica para superar las dificultades.

Un largometraje que atrae por su belleza estética, ambientación y, a su vez, por su sencillez. Una muestra de que no hay que dejarse llevar por las apariencias, por las superficialidades. Porque la deshumanización se produce cuando se empieza a dejar de lado los valores, como la aceptación e igualdad. La naturalidad y autenticidad que, a veces, se pretenden evitar por el miedo al rechazo. Esa moda de odiar porque otros indican “ódialo”.

¡¡¡¡¡¡SPOILERS!!!!!!

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Review: ‘Lust For Life’ de Lana del Rey, track by track

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“Young and love”. Así se presenta Lana del Rey con su quinto trabajo discográfico, ‘Lust For Life’. Un álbum compuesto por dieciséis canciones, todas ellas escritas por la intérprete, donde han colaborado artistas como Sean Ono Lennon, Stevie Nicks y A$AP Rocky.  

Un regreso muy esperado por parte de sus seguidores, ya que la artista prometió que sería un disco más alegre y esperanzador en comparativa con sus anteriores lanzamientos, donde se reflejaban un halo pesimista y melancólico. “Hice mis primeros cuatro discos para mí, pero éste es para mis fans y también acerca de hacia donde espero que todos nos dirijamos”, expresó la cantante a través de un comunicado. Al anunciar que el disco se titularía ‘Lust For Life’, Lana cumplió con su palabra. Y más cuando la portada de la misma mostraba una gran sonrisa y sus “ganas de vivir”.

A continuación, el review de ‘Lust For Life’. La crítica está realizada con una pequeña valoración de cada canción tras la primera escucha, exceptuando aquellas que ya fueron lanzadas como singles y sencillos promocionales:

1. Love: El primer single oficial del quinto álbum de estudio de la artista, lanzado el pasado 19 de febrero. Una alegoría al sentimiento cuando uno vive enamorado y querido. El amor hacia los demás y a ti mismo. “Young and love”. NOTA 9/10.

2. Lust For LIfe (feat. The Weeknd): Segundo single oficial de este disco, lanzado el 19 de abril. Esta canción es la que da nombre a su último trabajo. Se podría tratar como una continuación de ‘Love’. La paz, la confirmación de sus ganas de amar, de vivir la vida. Ambos artistas complementan sus voces a la perfección, siendo la segunda colaboración de ellos, de manera oficial, ya que Del Rey está presente en el último disco del grupo, ‘Starboy’, con el interlude ‘Stargirl’. NOTA 8/10.

3. 13 Beaches. Hit asegurado e intuyo que será el tercer single. Un ritmo melódico pero con vitalidad. Diría que es una mis favoritas del disco, por no decir la favorita. Una canción que trata sobre la soledad, de perderse a sí misma y perder a quien se ama. Esa búsqueda de su amor, en playas desiertas, le hará alcanzar su propia felicidad, a pesar de seguir amándole, sin poderlo olvidar. El mensaje que transmite es duro, pero realista: “Hay que continuar y superar los fracasos amorosos. Reflexiona y vive”. NOTA 10/10.

4. Cherry: La sensualidad hecha en canción. El amor tóxico y, a su vez, tentador. Ese hombre que no es adecuado pero aún así quieres continuar la relación con él. Presentado por primera vez en directo hace unos meses. Canción oscura, como su letra. Otro posible single, sin lugar a dudas. NOTA 8/10.

5. White Mustang: Canción bastante lineal, pero buena manera introductora al tema que le precede y sigue. “Un hombre con el mustang blanco”, una manera de decir que adora el peligro, el lujo y la fama. Para alcanzar la felicidad, hay que huir y mirar hacia adelante. NOTA 7/10.

6. Summer Bummer (feat. A$AP Rocky & Playboi Carti). Presentado como single promocional recientemente. Un tema oscuro, muy “nigga”. El estilo “R&B” que le viene como anillo al dedo a la cantante, pero encajaría perfectamente también con Rihanna. Eso sí, disminuiría la intervención de los raperos, ya que quitan la sensualidad que aporta la cantante y lo místico en sí que es el tema. Novedosa e innovadora. NOTA 7/10.

7. Groupie Love (feat. A$AP Rocky): Lanzado también como single promocional. Otra canción donde colabora con los raperos A$AP Rocky. Un canto al amor, al sentimiento y el placer de sentirse amada. La admiración también a los demás por ser queridos. Ese orgullo de ser correspondida. NOTA 7/10.

8. In my Feelings: Hemos llegado al hemisferio del disco. Una canción de transición y de relleno, para mi gusto. Es fresca e hipnótica, pero bastante repetitiva. Eso sí, ideal para desconectar e inspirar y espirar. NOTA 5/10.

9. Coachella- Woodstock In My Mind: Fue uno de los primeros temas que se conoció de ‘Lust For life’, ya que fue lanzada como single promocional el 14 de mayo. Recuerda a otras grabaciones de Lana. Esta canción da comienzo a las canciones reivindicativa del disco. La lucha por la libertad, por el amor, de que sus palabras tengan valor en un mundo que parece democrático, pero no lo es. NOTA 6/10.

10. God Bless America-And All The Beautiful Women In It: Comienza con unos acordes de la guitarra española, para dar paso a la canción más patriota del disco. Cargado de mensajes en contra del sistema, en este caso del gobierno de Donald Trump, que recuerda a los himnos que vociferaban el movimiento hippie en los años sesenta en Estados Unidos. Asimismo, expresa que las mujeres deben reunirse para que sus voces sean escuchadas en este mundo donde impera la supremacía del hombre, lamentablemente. Preciosa y luchadora. Posible single. NOTA 9/10

11. When The World Was At War We Kept Dancing: Una canción mística, donde la cantante hace uso de su voz dulce y melódica que parece que te hechiza y te atrapa a su mundo. Una alegoría de que a pesar de que el mundo se esté destruyendo, hay que mantener el orden y la paz. Felices, siempre. Una posible oda a la reencarnación. NOTA 7/10.

12. Beautiful People Beautiful Problems (feat. Stevie Nicks): Extraída de otra época, de los 60/70´s. Stevie Nicks, con su voz ronca y grave, encaja a la perfección con la de Lana. La reivindicación hecha en canción, para manifestarse en contra del país y los problemas que hay en él. Combatir, pero a su vez, no hay que perder la esperanza, no rendirse. La luz llegará a pesar de que ahora esté ganando el mal, la oscuridad. NOTA 9/10.

13. Tomorrow Never Came (feat. Sean Ono Lennon): Magnifico dueto. Me trasladé a la época donde el grupo The Beatles nominaba el panorama musical. Y eso es así porque forma parte de este tema Sean Ono Lennon, fruto de la unión entre John Lennon y Yoko Ono, grandes referentes del pop, en todas sus vertientes. Un aire retro, hippie, que transmite tanta paz y armonía. Lana, buen trabajo en contar con esta colaboración. NOTA 10/10.

14. Heroin: La lucha de no caer en las drogas para desconectar del mundo. Pero vuelve y empieza una vida de mentira, de negaciones. Pide ser salvada, su redención y resurrección. Una constante idas y venidas. NOTA 7/10.

15. Change: Una instrumental de piano, cargado de dramatismo y nostalgia, donde Lana reflexiona sobre su vida y futuro. Como también de todos aquellos que la abandonaron, la hicieron daño. Ya no siente rencor, acepta que cada uno es como es. Para ser amada por los demás, primero debes perdonarte a ti misma. Ahora asume que la vida es dar sin esperar recibir nada a cambio. NOTA 8/10.

16. Get Free: Cierre del disco tal como empezó, cargada de felicidad y paz. Las más rítmicas de las dieciséis del álbum, donde la compositora expresa que alcanzó el cielo, liberó su alma de la oscuridad y ahora ve la belleza de las pequeñas cosas. Añadiría, que también la más pop y comercial, sin pretenderlo, sería un buen single para sonar en las radios. Es tan hippie, que enamora. NOTA 7/10.

‘Lust For Life’ se puede considerar como el disco más feliz e innovador de Lana del Rey. Temas donde impera el amor a sí mismo, la lucha en contra de aquellos que no piensan en el bienestar de los demás. Una reivindicación en la mayoría de sus letras con un mensaje, a su vez, esperanzador. El álbum parece realizado y publicado cuando en Estados Unidos estaba en auge el movimiento hippie, es decir, los 60´s y principios de los 70´s. Como si Lana hubiese estado poseída por el alma de Janis Joplin, Jim Morrison, The Beatles y Bob Dylan. Un contraste de lo actual con aquellos tiempos, donde estos artistas se manifestaban, a través de sus canciones, los problemas que aún siguen presentes a día de hoy, como las desigualdades sociales, la supremacía del hombre y el control directo e indirecto por parte de las grandes potencias.

Lana reclama una revolución pacifica, pero que obtenga resultados. Que gane la luz, para que así el mundo sea un lugar mejor. Una producción donde la artista mantiene su esencia, un pop alternativo, sin pretender ser comercial. Música cargada de mensajes, para aquellos seguidores que aman su ideología y simbología. En comparación con sus anteriores trabajos, Lana no arriesga en ofrecer diferentes registros vocales, pero no hace falta este disco. Lo que importa es el que mensaje que quiere transmitir.

Un disco fresco y hippie. Joven y enamorada. Patriótico. Gustará a todos aquellos que quieran un mundo mejor o desconectar de él. Uno de los mejores lanzamientos discográficos en estos momentos, junto a ‘Melodrama’ de Lorde.

-Canciones TOP: ’13 Beaches’, ‘God Bless America-And All The Beautiful Women In It’, ‘Tomorrow Never Came (feat. Sean Ono Lennon)’.

-Canciones FLOP: ‘In my Feelings’, ‘Coachella- Woodstock In My Mind’.

NOTA FINAL: 7,8

‘Hasta los Huesos (To the Bone)’: Cuando la comida se convierte en el enemigo

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Hay enfermedades que se sienten, se viven en silencio, que destruyen y que matan. La anorexia, bulimia y otras patologías relacionadas con el rechazo del cuerpo pueden ser debidos por agentes externos o internos. Pero siempre quien lo padece acaba siendo la víctima, él o la culpable. Cuando, a veces, la sociedad es la que provoca esa pérdida de identidad. El amor a sí mismo. 

‘Hasta los huesos (To the Bone)’ retrata el proceso de no aceptación de Ellen, una chica de veinte años que sufre anorexia y su familia decide llevarla a un centro de recuperación para poder superar esta enfermedad. Allí comparte su experiencia con otras jóvenes que viven, más bien intentan sobrevivir, con esta lacra social.

Una película dura y realista sobre esta enfermedad provocada por los cánones de belleza que transmiten las redes sociales, medios de comunicación y el propio entorno social. No pretende mostrar un mensaje positivo pero si una moraleja: que esta enfermedad no solo afecta a la persona que lo padece. Amigos y familiares se convierten también en víctimas indirectas e impotentes porque no saben cómo solucionar el problema que sufre su ser querido.

Imágenes duras, situaciones realistas que están viviendo chicos y chicas de diferentes edades en cualquier parte del mundo. Una enfermedad que se refleja en el físico pero que empieza realmente con el propio criterio que tiene uno de sí mismo y acaba oscureciendo el alma, cegando los ojos y viviendo en una propia mentira.

Lily Collins, que padeció esa misma enfermedad, relata su propia experiencia a través de Ellen. Por eso, diría que una de sus mejores interpretaciones. Una joven actriz que se está convirtiendo en una de las grandes haciendo cosas pequeñas pero memorables. 

En general, no es una gran película, se nota el bajo presupuesto a pesar de estar realizado por Netflix. Pero, no pretende eso, su función es sensibilizar a la sociedad sobre esta terrible y dura enfermedad. 

Aspectos positivos: interpretaciones, mensajes, guion, planos, desarrollo de la historia.

Aspectos negativos: Duración, el final, los personajes secundarios.

NOTA FINAL: 6

‘Let Her Out’: No soy yo, ¿oh sí?

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Un accidente de tráfico cambia la vida de manera consciente o inconsciente. Y más cuando a raíz de esto, el cuerpo y alma empiezan a ser entes independientes.

‘Let Her Out’ trata sobre una chica que tras un trágico accidente, empieza a sufrir perdidas de memoria, alucinaciones y estados más cercano a la esquizofrenia. Por estos estados de confusión, decide acudir al hospital y descubre que tiene un tumor, que es su hermana gemela a la que absorbió, en su cerebro, cuando estaba en el útero de su madre.

Entonces ese tumor comienza a controlar a la protagonista, ya que ella se convierte en esos estados de confusión y descontrol en su álter ego, una versión malvada de su yo, provocando asesinatos y ciertos ataques de locuras.

Al principio, la película puede resultar algo lenta resaltando su bajo presupuesto, pero poco a poco la historia se va entendiendo y cogiendo forma. Un “thriller” psicológico que recuerda a la noventera ‘Basket Case’, en una versión más femenina y actual, alejado del toque humorístico. Buen tratamiento visual ya que es oscura y desconcertante el uso de los planos y banda sonora, provocando cierta tensión en varios momentos.

Aunque toda la magia y oscuridad transmitido en todo el filme se disuelve minutos antes del final, ya que no llega a sorprender e impactar como prometía y merecía esta historia.

Aspectos positivos: argumento, banda sonora, planos

Aspectos negativos: guion, final, el comienzo de la película

NOTA FINAL: 5